Der kanadische Filmemacher Colin Minihan (*1985) gehört zu den spannendsten Stimmen des modernen Independent-Horrors. Bekannt wurde er zunächst als Teil des Duos “The Vicious Brothers”, das mit GRAVE ENCOUNTERS einen der prägendsten Found-Footage-Hits der 2010er Jahre schuf. Seitdem bewegt sich Minihan zwischen Subgenres – von Alien-Horror (EXTRATERRESTRIAL, 2014) über Wüsten-Zombie-Dramedy (IT STAINS THE SANDS RED, 2016) bis hin zu Tierhorror (COYOTES, 2025).
Für unseren Autor Adrian Gmelch sticht jedoch besonders ein Film heraus: WHAT KEEPS YOU ALIVE (2018), ein nervenaufreibender Indie-Horror inmitten der Wälder Kanadas, der eine toxische Beziehung seziert und mit stilistischer Klarheit glänzt. Die Faszination für dieses kleine Meisterwerk war der Ausgangspunkt für ein fast 50-minütiges, tiefgehendes Gespräch, das überraschend offen, reflektiert und voller Hintergründe zu Minihans Kreativprozess ist.
Im Interview spricht Minihan über seine Anfänge als autodidaktischer Filmemacher, über jugendliche Abenteuer, die beinahe zu ernsthaften Konsequenzen führten, über seine Zusammenarbeit mit anderen Filmemachern der neuen kanadischen Horrorwelle und darüber, warum er für COYOTES, seinen neuesten Film, ganz bewusst neue Wege einschlägt.
Adrian Gmelch: Danke, dass du dir heute für dieses Gespräch Zeit genommen hast. Lass uns am Anfang beginnen. Ich habe gelesen, dass du in einer Kleinstadt aufgewachsen bist, in der ein Kinobesuch ein seltenes, fast heiliges Ereignis war. Welche Filme oder Erlebnisse haben dich denken lassen: „Das möchte ich beruflich machen“?
Colin Minihan: Ich glaube nicht, dass es eine einzige Sache war. Es war wahrscheinlich eine Kombination daraus, in einer Kleinstadt groß zu werden, in der ich nicht oft die Gelegenheit hatte, ins Kino zu gehen. Als Kind habe ich versucht, so viele Filme wie möglich zu sehen, sobald ich in der Großstadt war. Einmal im Sommer fuhr ich für ein oder zwei Wochen nach Vancouver, um meine Großeltern zu besuchen, und ich schleppte sie jeden Abend ins Multiplex-Kino.
Das waren die ganz frühen Jahre, in denen ich mich ins Kino verliebt habe. Und soweit ich zurückdenken kann, hatte ich immer meine Freude daran, mit Kameras zu spielen. Sie waren Teil meines kindlichen Spiels – sei es im Zusammenhang mit Sport, als ich Eishockeytorwart war und eine Videokamera an der Innenseite des Netzes befestigte, um sicherzustellen, dass beim Hockey der Ball nicht die Linie überschritten hatte und ich mich mit meinen Freunden über den Videobeweis stritt. Oder nachmittags nach der Schule, wenn ich Szenen aus Filmen nachstellte, die ich über meinen älteren Bruder gesehen hatte, viele Kriminal- und Actionthriller aus dieser Zeit.
Ich erinnere mich nicht an etwas ganz Konkretes. Ich weiß aber noch, dass ich JURASSIC PARK im Kino gesehen habe und dachte: „Wow!“. Aber ob das auch wirklich der Moment war, an dem ich wusste: „Ich will Filme machen“? Das ist schwer zu sagen. Ich glaube, diese Erkenntnis entwickelte sich ganz natürlich, weil ich als Teenager anfing, einige meiner Kurzfilme weltweit bei verschiedenen Wettbewerben einzureichen, und das eröffnete mir ein größeres Fenster zur Welt.
Ich erinnere mich, dass ich einen Teen-Filmmaker-Preis in einer Publikation des “Videomaker Magazine” gewonnen habe, und das gab mir vermutlich Selbstvertrauen, vielleicht wurde ich besser darin, vielleicht könnte ich weitermachen …
Ich habe eine interessante Geschichte und ich glaube nicht, dass jemand schon darüber geschrieben hat. Ich erzähle sie manchmal Leuten in L.A., weil sie so einzigartig ist. Als ich etwa 13 war, kurz vor dem Eintritt in die High School – es ist eine etwas lange Geschichte, aber sie lohnt sich – kam ich eines Tages nach der Schule nach Hause, und im Fernsehen lief eine Folge von BILL NYE THE SCIENCE GUY über Falschgeld.
Das fiel zeitlich damit zusammen, dass meine Mutter kürzlich ein Scanner-Drucker-Fax-Kombigerät gekauft hatte. Mein Freund und ich, neugierig wie wir waren, dachten: Lass uns einen Zehn-Dollar-Schein scannen und sehen, wie realistisch er auf normalem Druckerpapier aussieht. Er sah überraschend detailgetreu aus. Wir drehten ihn um, druckten die Rückseite, schnitten ihn aus, und wenn man das Papier ein wenig aufraute, fühlte es sich wie altes Geld an. Wir dachten: Das macht Spaß – das könnte ein Filmrequisit sein.
Aber so haben wir es nicht benutzt. Am nächsten Tag gingen wir zur High School und testeten es in der Schulkantine. Wir kauften für einen Dollar einen Schokoriegel und bekamen neun Dollar echtes Geld zurück. Da ging uns ein Licht auf, und wir probierten es noch einmal, und noch einmal, und noch einmal.
Bald arbeitete ein großer Teil der Jungen der achten Klasse daran, den Zehn-Dollar-Schein zu perfektionieren. Irgendwann hielt jemand das Geld unter ein Schwarzlicht, mein Freund bekam Panik und rannte weg, und in einer Stadt mit 2.500 Einwohnern kennt jeder jeden. Die Polizei tauchte bei ihm zu Hause auf.
Adrian Gmelch: Okay, krass. Das ist eine Crime-Story …
Colin Minihan: Ja … (lacht). Er hat kurz mit ihnen gesprochen, aber er konnte mich noch erreichen und ich verbreitete die Nachricht an alle, die an diesem Blödsinn beteiligt waren: Wir sollten sagen, dass es für einen Film sei, den wir nach der Schule drehen wollten – ein Koffer voller Geld, der in die falschen Hände gerät. Wir sollten uns dumm stellen. Keiner von uns war ein Krimineller; es war das erste Mal, dass überhaupt die Polizei mit uns sprechen wollte.
Die Polizei holte mich rein und verhörte mich. Ich habe gelernt – keine Ahnung, ob das stimmt –, dass die zweitstrafbarste Handlung in Kanada nach Mord Falschgeldherstellung ist. Ich weiß nicht, ob das korrekt ist, aber es war weit oben, mit verpflichtender Jugendhaft.
Die Stadt wusste nicht, wie man mit acht bis zehn beteiligten Kids umgehen sollte. Sie brachten alle über ein Programm namens “Community Justice” zusammen, das parallel zur Strafverfolgung lief. Im Gemeindezentrum – egal ob Bankangestellte, Väter oder Leute, die das falsche Geld erhalten hatten, das schon durch die ganze Stadt zirkulierte, weil wir dumm genug waren, die Seriennummern nicht zu ändern – versuchte man gemeinsam, eine Strafe für uns zu finden.
Das Ganze lief schon eine Weile – vielleicht einen Monat oder so. Es war nicht so, dass wir es jeden Tag gemacht hätten; es war für uns einfach witzig.
Ich hob die Hand und sagte, dass wir es für diesen Film benutzt hätten. Die Leute wurden neugierig, und jemand rief: „Warum drehen sie nicht einen Anti-Kriminalitätsfilm als Strafe?“
Ich dachte: Das ist eine großartige Idee – aber ich werde die Unterstützung der Stadt brauchen. Ich brauche die Polizeistation, eine Gefängniszelle, Polizeiautos, vielleicht echte Polizisten, einen Krankenwagen, einen Laden als Schauplatz, wenn es um Ladendiebstahl geht.
Monate vergingen. Ich schrieb etwas, und dann legten wir los und drehten es, meine Freunde und ich. Es war das erste Mal, dass ich digital schnitt – DV über eine FireWire-Karte capturen und schneiden in dem, was heute Adobe Premiere wäre, aber damals Ulead Media Studio war.
Wir zeigten den Film, und ich hatte das Publikum am Ende zu Tränen gerührt. Das war so ein Moment – ein größeres Publikum etwas erleben zu lassen, das ich aus dem Nichts geschaffen hatte. Ich erinnere mich nicht genau an das Gefühl, aber es führte zu mehr.
Die Verantwortlichen beantragten auf Grundlage dieses Shorts staatliche Förderung. In der 11. Klasse wurde ich wieder zur Polizeistation gerufen und man sagte mir, sie hätten über 100.000 Dollar von der “National Crime Prevention” erhalten. Ich nutzte das, um meine Kleinstadt in der 11. und 12. Klasse praktisch in ein Filmset zu verwandeln – Verfolgungsjagden mit hoher Geschwindigkeit, Kameras an Autos montieren, Straßensperrungen, Stunts. Ich bekam Filmhochschule, während ich noch zur High School ging, und dachte mir alles selbst aus. Es war eine einzigartige Erfahrung, die mich auf einen sehr obsessiven Weg zum Filmemachen führte.
Adrian Gmelch: Danke, dass du das mit mir geteilt hast, denn es ist wirklich eine unglaubliche Geschichte – man könnte sagen: von der Kriminalität zum Filmemachen. (lacht) Als Teenager weiß man es ja nicht besser; man hat überhaupt kein Gefühl für Konsequenzen. Aber danach hast du zuerst eine Menge Musikvideos gedreht. Ich habe irgendwo gelesen, nahezu hundert.
Colin Minihan: Ja. Ich kenne die genaue Zahl nicht, aber es geht vermutlich in die Richtung. Ich bin nach Vancouver gezogen, war auf der Filmschule, und die Geschichte, die ich gerade erzählt habe, führt direkt dahin, weil ich für diese Filme Musik brauchte. Ich habe online nach unabhängigen Künstlern gesucht – mp3.com, glaube ich – und jeden angeschrieben, dessen Track zu dem Film passte.
Einer der Kurzfilme, die ich gemacht hatte, wurde von einem Manager in San José gesehen. Und als ich dann nach Vancouver zog und das Filmstudium begann, sagten sie: „Warum fliegen wir den Typen nicht her, damit er dein Musikvideo dreht?“
Also kam ich nach Kalifornien – mit etwa 19 – und drehte mein erstes Musikvideo. Es war eine Art Kurzgeschichte, die zu einem Song erzählt wurde, zwischengeschnitten mit einer Rockband. Und mir wurde klar, dass viele Filmemacher, die ich bewunderte, genauso angefangen hatten – Michel Gondry, David Fincher, Michael Bay, Antoine Fuqua.
Es ist ein interessantes Medium, denn anders als bei Werbespots entwickelst du das Konzept selbst. Du bist nicht der Mittelsmann zwischen einer Agentur und einem Talent. Du bist die kreative Kraft, natürlich in Zusammenarbeit mit dem Künstler. Es ist dem Filmemachen sehr ähnlich, aber oft abstrakter.
Adrian Gmelch: Ich würde auch sagen, dass Musik in deinen Filmen immer noch eine wichtige Rolle spielt – auch in WHAT KEEPS YOU ALIVE. Ich erinnere mich wirklich gut an die Musik in diesem Film, vor allem an den „Demon“-Song.
Colin Minihan: Ja. Wenn ich schreibe, suche ich mir normalerweise einen sehr bestimmten Soundtrack, um mich an die Essenz dessen zu halten, was ich gerade schreibe. Bei WHAT KEEPS YOU ALIVE war eine Schauspielerin, die ich in Betracht gezogen habe – Kathleen Munroe – gleichzeitig Musikerin, und ich fand ein YouTube-Video von ihr, in dem sie „Demon Inside“ performt. Ich war wie besessen von diesem Song. Als sie dann ausfiel, brauchte ich den Song trotzdem.
Sie gab uns die Erlaubnis, und dann hat Hannah Anderson im Film eine wunderschöne Version davon gesungen. Für das Marketing hat Brittany Allen – meine Frau und der zweite Star des Films – eine eher elektronische Version gemacht.
IT STAINS THE SAND RED hat ebenfalls ungewöhnliche Musikauswahl – Anna Calvi, Amen Dunes – Tracks, die man in einem Horrorfilm normalerweise nicht hören würde. Sie wirken eher wie aus einem Cameron-Crowe-Film, aber genau das zieht mich an.
Adrian Gmelch: Wenn wir ein bisschen zurückgehen – weil es, würde ich sagen, ein wichtiger Teil deines Lebens ist – die Vicious Brothers-Phase mit Stuart Ortiz. Er war bzw. ist ein enger Freund; ihr habt euch sehr früh im Leben kennengelernt.
Colin Minihan: Ja, ich war sehr jung. Ich habe ihn im Internet kennengelernt. Das waren die goldenen Zeiten des Internets, als es nicht permanent aus komplett verrücktem Social-Media-Nonsens bestand. Das war wahrscheinlich tatsächlich eines der allerersten Filmemacher-Chatforen, die es im Internet gab. Es hieß Cyber Film School.
Ich kenne nicht das gesamte Ausmaß der Website, aber es gab dort ein Forum namens „A Story“, und Menschen aus der ganzen Welt waren in diesem Message Board aktiv und haben ihre Arbeiten dort gepostet. Viele junge Teenager experimentierten damals mit Digitalvideo.
Dort bin ich eigentlich „groß geworden“ – genau zu dem Zeitpunkt, als die Canon XL1 herauskam und Kids anfingen, am Computer zu schneiden und die Sprache des Erzählens digital zu entdecken, statt auf Film zu drehen oder analog zu schneiden. Das eröffnete viele Möglichkeiten, auch im Hinblick auf visuelle Effekte, man wurde eine Art Alleskönner.
Wir fühlten uns von der Arbeit des jeweils anderen schon in sehr jungen Jahren angezogen – das geht zurück bis in die Highschool, als wir 14 oder 15 waren.
Damals, als man die Webcam noch an den Computer klipsen musste und über glitchige AOL-Videogespräche kommunizierte, sprachen wir jeden Tag über Filme.
In der Highschool habe ich mich in meiner Kleinstadt ein bisschen isoliert, weil viele Kids andere Interessen hatten, und ich entwickelte diese eine obsessive Leidenschaft. Stu (Stuart Ortiz) wurde dadurch ein Freund und ein Fenster in die größere Welt, weil ich in einer so abgeschiedenen Gemeinde lebte, die sich isolierend anfühlte. Er wuchs in Orange County, Kalifornien, auf.
Wir haben uns tatsächlich in einem Film „getroffen“ – wir stoßen in einem der Filme, die ich basierend auf der Falschgeldgeschichte gedreht habe, aneinander. Er hatte sein Schlafzimmer chromablau gestrichen und inspirierte mich dazu, das Gleiche zu tun. Wir drehten statische Aufnahmen von uns, wie wir durch einen Highschool-Flur gehen und mit den Schultern zusammenstoßen, obwohl er seine Seite filmte und ich meine. Dann haben wir es zusammengesetzt. Das war, bevor wir uns jemals im wirklichen Leben begegnet waren.
In meinen Zwanzigern fingen wir dann an, viel hin- und herzufliegen, abzuhängen und zu versuchen, einen Film zu schreiben. Ich liebte Musikvideos, aber ich sah sie als Teaser für das Filmemachen. Ich wollte wirklich etwas Unabhängiges machen und wusste überhaupt nicht, wo ich anfangen sollte.
Es brauchte viele Versuche von Drehbüchern, viele Fehlstarts. Egal, ob wir nach Kalifornien fuhren, um zu schreiben, oder er nach Vancouver kam, wir fuhren dann oft die gesamte Vancouver Island hinauf in den Keller meiner Mutter, um komplett off-grid zu sein. Mit einem Kaminfeuer, das brannte, saßen wir da – er auf der einen Seite, ich auf der anderen – Stift und Papier, 30 Tage am Stück, ohne rauszugehen, außer Essen zu holen, und kamen am Ende mit Seiten heraus.
Und so entstand GRAVE ENCOUNTERS. Es war wahrscheinlich der vierte oder fünfte Versuch, etwas zu schreiben; alles andere war zu groß gewesen.
GRAVE ENCOUNTERS entwickelte sich daraus, dass ich Musikvideos in einer psychiatrischen Klinik gedreht hatte, die ein beliebter Drehort außerhalb von Vancouver war. Als ich ein Musikvideo in den unterirdischen Tunneln drehte, kam Stu ans Set und nutzte die Nacht, um die Location für den Film zu scouten, den wir speziell für dieses Gebäude schreiben wollten.
Ein großartiger Rat für jeden unabhängigen Filmemacher: Schreib nach dem, was dir die Location anbietet. Wenn du dir nichts bauen oder keine große Art-Abteilung leisten kannst, nutze das, was existiert. Zum Beispiel die Badewannen, die überall auf dem Boden standen – die waren einfach im Gebäude, übrig aus der Zeit, als es noch funktional war. Wir schrieben eine großartige Horrorszene, die genau dort spielte.
Adrian Gmelch: Ich finde, Grave Encounters zählt wirklich zu den besten Found-Footage-Horrorfilmen, die es gibt.
Colin Minihan: Danke. Ja, wir haben das Ganze irgendwie am Ende der Welle erwischt, weil wir keinen großen Kinostart bekommen haben. Ich schreibe den Erfolg des Films vielen Faktoren zu. Das Casting hat großartig funktioniert – Sean Rogerson als Lance Preston ist fantastisch, und Mackenzie Gray, der das Medium spielt, war unglaublich. Er war tatsächlich Professor an meiner Filmschule, daher wusste ich, dass er perfekt sein würde. Er war so cool – er hat Schülern, die Kurzfilme gedreht haben, regelmäßig seine Zeit geschenkt.
Wir waren extrem entschlossen, eine starke Atmosphäre zu schaffen. Wir wussten, dass wir ein Risiko eingingen, wie die Leute den Film wahrnehmen würden, denn PARANORMAL ACTIVITY war riesig erfolgreich, indem praktisch nichts gezeigt wurde. Das widersprach aber unserem Stil – wir wollten, dass das Publikum wirklich einen Kick bekommt. Wir hatten das Gefühl, wir sollten das tun, was diese Filme nicht taten: tatsächlich die Erscheinungen und Geister zeigen.
Das war eine interessante Herausforderung. Wir haben den Film in 12 Tagen gedreht, was völlig verrückt war.
Adrian Gmelch: Ja, das ist echt verrückt – 12 Tage. Ich erinnere mich besonders an zwei Szenen: wie die Filmcrew versucht, den Gärtner zu bezahlen, damit er eine Geistersichtung faked – das war so lustig. Und wie TC, der Kameramann, in die blutgefüllte Badewanne gezogen wird, die du gerade erwähnt hast. Die Darstellung war gleichzeitig lustig und auch extrem gruselig.
Colin Minihan: Ja. Diese Kombination – Humor, die Satire über paranormale TV-Shows, und dann die Ungläubigen, die am Ende direkt dem gegenüberstehen, woran sie nicht glauben.
Es war eine der intensivsten – eigentlich die intensivste – Filmerfahrung, die ich je hatte. Ich habe damals buchstäblich mein gesamtes Bankkonto geleert, um den Film zu drehen. Alles Geld, das ich durch unzählige Musikvideos verdient hatte, floss direkt hinein.
Adrian Gmelch: Aus heutiger Sicht war es die beste Entscheidung, oder?
Colin Minihan: Ja, auf jeden Fall. Es war ein Risiko, das sich in vielerlei Hinsicht ausgezahlt hat. Aber die Intensität … weil ich ja selbst hinter der Kamera stand. Ich habe die A-Kamera bedient, mit TC (Merwin Mondesir, der Schauspieler) über meiner Schulter. Also war ich emotional buchstäblich Teil jeder Szene – aus der Perspektive der Kamera, mit Leuten, die direkt an mir vorbeisprachen.
Normalerweise sitzt der Regisseur hinter einem Monitor, aber ich war jeden Tag mitten im Geschehen und habe diesen Charakter verkörpert. Die Kamera ist in diesem Film wirklich eine eigene Figur. Das war eine sehr besondere Erfahrung.
Adrian Gmelch: Dann kamen natürlich andere Filme – EXTRATERRESTRIAL oder IT STAINS THE SANDS RED – beide unterschiedliche Genres, also Sci-Fi und mehr Zombie. Du hast Found Footage gemacht, Sci-Fi, Zombie, und dann WHAT KEEPS YOU ALIVE, eher ein psychologischer Thriller. Ziemlich abwechslungsreich.
Colin Minihan: Ja, ich glaube – darüber habe ich kürzlich nachgedacht – der einzige wirklich reine Horrorfilm, den ich gemacht habe, ist GRAVE ENCOUNTERS, weil EXTRATERRESTRIAL zwar Horroranteile hat, aber am besten funktioniert, wenn er ein kleiner Thriller-Film ist. Das Drehbuch hatte Probleme, als wir in die Produktion gingen, und Stu und ich waren damals auch nicht besonders gut miteinander im Einklang.
Also war es einfach… zu ambitioniert für die Mittel, die wir hatten. Es gibt so eine Grenze: Du bekommst ein dreieinhalb-Millionen-Budget, aber versuchst, einen Fünfundzwanzig-Millionen-Film zu drehen…
Adrian Gmelch: Ja, verstehe.
Colin Minihan: Ich glaube, der Film hatte 21 Drehtage, und du hast einfach nicht die Zeit, die du brauchst. Du musst dich in dieser Welt bewegen können, und wenn etwas nicht funktioniert, musst du die Lösung finden können.
Und wenn du diese Zeit nicht hast, blockst du einfach und drehst sofort – das kann sehr knifflig sein. Wir haben aus diesem Film viele Lektionen gelernt.
IT STAINS THE SANDS RED war ähnlich, weil wir dachten, wir hätten einen sehr kleinen Film geschrieben, den wir wirklich ganz kompakt drehen könnten – gewissermaßen eine Rückkehr zu den GRAVE ENCOUNTERS-Wurzeln – aber in der Wüste zu drehen, ist brutal.
Adrian Gmelch: Oh ja, das kann ich mir vorstellen. Ich finde, der Film ist ein lustiger, frischer Ansatz für das Zombiegenre.
Colin Minihan: Viele Leute mögen den Film wirklich sehr. Ich wünschte, er würde noch häufiger entdeckt werden, weil er wirklich gut ist – und Brittany liefert in diesem Film eine großartige Performance. Sie trägt ihn komplett.
Adrian Gmelch: Aber danach kam erstmal WHAT KEEPS YOU ALIVE, und aus meiner Sicht ist das wirklich dein kleines Meisterwerk. Nicht nur, weil ich Filme liebe, die im Wald spielen – WHAT KEEPS YOU ALIVE ist dafür ein großartiges Beispiel – sondern auch wegen des Überlebenskampfes zwischen dem gleichgeschlechtlichen Paar Jackie und Jules. Ich habe irgendwo gelesen, dass es ursprünglich als heterosexuelles Paar geschrieben wurde?
Colin Minihan: Ja, ursprünglich war es so geschrieben. Der Schauspieler, an dem ich interessiert war – von dem ich dachte, dass er einen wirklich verstörenden Soziopathen spielen könnte – war zu lange verhindert; er war in einer TV-Serie oder so etwas.
Also fing ich an, die Idee zu erkunden, den Film für ein gleichgeschlechtliches Paar umzuschreiben, vor allem, weil wir bis zu einem bestimmten Datum drehen wollten. Es waren wahrscheinlich zwei Monate bis dahin, und die Dinge änderten sich schnell – die Figuren, wie alles zusammenkam. Es war wirklich etwas Schönes.
Hannah für die Psychopathen-Rolle zu entdecken, war ein unglaublicher Glücksfall. Und als ich sie besetzt hatte und ihre bisherigen Arbeiten recherchierte, habe ich die Figuren erneut umgearbeitet. Ich habe sie bis zum Drehstart immer weiter verfeinert.
Ich erinnere mich, dass ich alle aus der Produktion zusammengetrommelt habe und wir den ganzen Drehbuchtext immer wieder abends am Esstisch laut gelesen haben – jeden Abend –, während neue Szenen geschrieben wurden. Die ganze Schwarz-Weiß-Rückblende mit den beiden Tiersymbolen entstand buchstäblich in letzter Minute.
Adrian Gmelch: Es ist wirklich ein cooler Film, und die Location hat ja viel davon vorgegeben.
Colin Minihan: Ja. Einer der Produzenten hat sie ganz unten in einer Datenbank für Drehorte in Ontario gefunden. Um mich davon zu überzeugen, dort zu drehen – weil ich eigentlich eine andere Location im Kopf hatte – ist der DP, der in der Nähe wohnte, hingefahren und hat atmosphärische Aufnahmen des Hauses mit einer RED-Kamera gefilmt, sie mit Musik unterlegt und mir geschickt. Und ich dachte: „Das ist verdammt brillant – natürlich drehe ich den Film hier. Du hast das Argument eindeutig gewonnen.“ Zum Glück.
Es war ein Spaß zu drehen, aber auch extrem herausfordernd, weil gerade Kriebelmücken-Saison war. Ich erinnere mich, dass in der ersten Woche alle Netze trugen, damit sie nicht im Gesicht aufgefressen wurden.
Aber wirklich: Ich liebe es, Filme mit kleiner Besetzung zu machen und zu schreiben – zwei Schauspieler für 80 % des Films, das ist richtig cool. Und ich mag auch die Darstellung der gnadenlosen Gewalt im Film.
Adrian Gmelch: Ich auch. Und ich finde, die gleichgeschlechtliche Dimension funktioniert richtig gut, weil sie die beiden auf die gleiche körperliche Ebene setzt – es gibt keinen großen Unterschied. Mit der männlich-weiblichen Version hätte ich mich gefragt: Wer wäre der Killer gewesen, der Mann oder die Frau?
Colin Minihan: Es wäre der Mann gewesen. Die ursprüngliche Idee des Films entstand aus der Beziehung zwischen Brit und mir – ich glaube, wir haben uns damals vielleicht ein bisschen gestritten – und wir scherzten über Paare, die versuchen, sich gegenseitig in ihren Ehen umzubringen. Es wirkte wie ein interessantes Zwei-Personen-Stück. Dieser Film könnte noch immer für sich existieren, aber er würde fast komödiantisch wirken.
Dann habe ich “The Psychopath Test” von Jon Ronson gelesen, was inspirierend war und dem Ganzen eine andere Richtung gegeben hat. Ich begann, über Männer zu lesen, die ihre Frauen – mehrere Frauen hintereinander – umgebracht haben und unter verdächtigen Umständen damit davongekommen sind. Es ist schockierend, wie oft das passiert. Diese wahren Geschichten waren der Ursprung für das Ganze. Deshalb war der erste Entwurf für einen Mann geschrieben.
Die meisten meiner Drehbücher beginnen so – IT STAINS THE SANDS RED war ursprünglich auch für einen Mann geschrieben. Als Mann starte ich oft aus einer männlichen Perspektive, einfach um es auf die Seite zu bekommen. Und wenn man dann tiefer in das Material eintaucht, findet man andere Schichten, die sich zeigen wollen. Es ist, als würde man mit einer Taschenlampe einen dunklen Wald erkunden – du weißt nicht, was du finden wirst.
Früher habe ich nach sehr strengen Beats geschrieben – dieser Beat, dann dieser Beat – aber das macht es starr. Man lebt nicht wirklich im Stoff; man ist mit vorgefassten Ideen verheiratet, selbst wenn der Film an einen anderen Ort will.
Heute bevorzuge ich es, offen dafür zu sein, wohin das Material mich führt.
Adrian Gmelch: Ich glaube, viele Leute entdecken deine Arbeit vielleicht über GRAVE ENCOUNTERS, aber bei mir war es WHAT KEEPS YOU ALIVE.
Colin Minihan: Großartig. Es freut mich sehr, dass du diesen Film liebst. Ich glaube, das ist immer noch der einzige Film, den ich komplett alleine geschrieben und inszeniert habe, denn bei meinem neuen Film COYOTES habe ich nur Regie geführt – na ja, ich habe einiges umgeschrieben oder vieles neu justiert – aber es ist ein ganz anderer Film. Sehr anders. Horror-Komödie.
Adrian Gmelch: Normalerweise halte ich in Filmen eher zu den Opfern, aber bei WHAT KEEPS YOU ALIVE ist es seltsam – ich bin wirklich mehr bei Jackie. Ich dachte die ganze Zeit: „Bitte, Jackie, mach Jules einfach fertig.“ Und dann sitzt man da und denkt: Was zur Hölle?
Colin Minihan: Ich weiß, das ist lustig. Ich glaube, es liegt daran, dass die Protagonistin ein oder zwei Entscheidungen zu viel trifft, die das Publikum nerven, sodass man irgendwann denkt: „Ach, bring sie einfach um.“ Aber realistisch gesehen: Wenn du von einer Klippe gestoßen wurdest, wirst du es schwer haben, dich zu wehren. Es ist im Horror oft schwer, den Zuschauer zu vermeiden, der glaubt, er sei schlauer als die Protagonistin. Zuschauer wollen das Gefühl haben, sie würden überleben und etwas anders machen. Aber wenn man liest, wie unglaublich dumm Menschen handeln, wenn sie in Panik sind oder unter Stress stehen – das entspricht einfach nicht der Realität.
Adrian Gmelch: Und in diesem Film funktioniert es, weil Hannah Emily Anderson wirklich unglaublich ist. Ich dachte nur: was für eine Performance. Aber genug zu diesem Film. Jetzt vielleicht ein paar Fragen zu COYOTES, weil es dein jüngster Film ist. Es ist wieder ein anderes Subgenre – Eco-Thriller oder Tierhorror. Jeder deiner Filme ist ein anderes Genre, aber immer im Horrorkontext. Was war dieses Mal die ursprüngliche Kernidee?
Colin Minihan: Nun, ich war bei der ursprünglichen Fassung nicht dabei, also weiß ich nicht, woher die Idee kam. Aber ich kann dir sagen, warum ich den Film machen wollte. Was ich gelesen hatte, war urkomisch, völlig überdreht, und ich liebte die Idee, einen Film zu drehen, der in Hollywood spielt. Ich habe früher unter dem Hollywood Sign gewohnt, in einer Straße namens Beachwood, im Beachwood Canyon, und dort gibt es viele Kojoten.
Nachbarn hatten Hunde verloren, und ich will Kojoten nicht verteufeln – sie versuchen einfach nur, in einer Umgebung zu überleben, die wir übernommen haben. Aber bei nächtlichen Spaziergängen mit dem Hund dachte ich: „Das wäre ein großartiger Tierattacke-Horrorfilm. Warum hat das noch keiner gemacht?” Wahrscheinlich, weil Kojoten selten Menschen angreifen. Aber man könnte das Gleiche über Haie sagen.
IT STAINS THE SANDS RED hatte einen einzigartigen Blick auf Zombies. GRAVE ENCOUNTERS war der erste Film, der diese kitschigen Ghost-Hunting-Shows parodierte. EXTRATERRESTRIAL war irgendwie ein Slasher mit Aliens. WHAT KEEPS YOU ALIVE war ein LGBTQ-Thriller, den ich so noch nicht gesehen hatte.
Bei COYOTES fand ich das Setting super, und ich mochte die Idee, ein Tierhorrorprojekt zu machen. Es hat mich zum Lachen gebracht.
Ich hatte über die Jahre zwischen WHAT KEEPS YOU ALIVE und diesem Film viele Filme und Drehbücher entwickelt – viele Fehlstarts. Entwicklung kann einen zermürben.
Vor COYOTES hatte ich angefangen, Kameraequipment zu kaufen, rumzuspielen, zu experimentieren, zu versuchen, mich wieder in das Handwerk zu verlieben, statt nur ans Geschäft zu denken. Dann kam dieses Projekt, und es gab eine tolle Rolle für Brit – die Prostituierte hat mich an ihre Rolle in IT STAINS THE SANDS RED erinnert, nur noch lustiger.
Ich möchte produktiv sein, aber mein Output ist kleiner als ich gerne hätte. Ich bewundere Filmemacher, die zwischen Genres hin- und herwechseln. Etwas zu machen, bei dem die Komödie stärker ist als der Horror, war reizvoll.
GRAVE ENCOUNTERS ist lustig, aber unbeabsichtigt. IT STAINS THE SANDS RED ist ebenfalls absurd. Aber COYOTES trägt seinen Humor offen.
Außerdem – nachdem ich mit WHAT KEEPS YOU ALIVE einen düsteren, vielleicht nihilistischen Horrorfilm gedreht habe – und nachdem ich jetzt ein Kind habe – wollte ich etwas Leichteres machen. Einen Einstiegshorrorfilm.
Wenn ich 13 wäre, würde ich ihn großartig finden. Es ist ein perfekter Gateway-Horrorfilm – nicht zu extrem in irgendeine Richtung. Dann kam Justin Long an Bord, und ich bin seit über einem Jahrzehnt ein großer Fan von ihm.
Adrian Gmelch: Ein weiterer Punkt: Meiner Meinung nach bildet sich gerade eindeutig eine Art neue kanadische Horrorwelle um dich und andere – wie Kurtis David Harder oder Brandon Christensen. Und interessant ist, dass ihr immer wieder gegenseitig in euren Filmcredits auftaucht.
Colin Minihan: Das hat definitiv mit IT STAINS THE SANDS RED angefangen, weil Brandon uns überzeugt hat, den Film in Las Vegas zu drehen. Brandon stammt aus denselben frühen Internetforum-Tagen – wo ich auch Stu kennengelernt habe – damals waren wir Teenager. Ich glaube, er war dort aktiv, hat seine Arbeiten gepostet und Kontakt gesucht. Es hat viel länger gedauert, ihn persönlich zu treffen – Stu und ich sind vielleicht nach Vegas gefahren, wo er lebte. Mit Kurtis ist es ähnlich – er fing an, während der Postproduktion von EXTRATERRESTRIAL bei uns herumzuhängen. Als wir STILL/BORN gemacht haben, kamen die beiden Jungs aus Alberta, also haben wir dort gedreht. Danach habe ich privates Kapital für ein paar weitere Projekte bekommen, und Brandon hat geholfen, das zusammenzustellen. Wir haben Z und SPIRAL produziert. WHAT KEEPS YOU ALIVE war davon unabhängig.
Das waren alles kleine Filme, bei denen die kreative Autorenschaft von allen geteilt wurde. Irgendwann will jeder seinen eigenen Weg gehen – das ist jetzt passiert. Aber ich liebe die Jungs. Sie sind sehr talentiert.
Zu dieser Zeit war ich in Kanada vielleicht einer der wenigen, die eigene Filme außerhalb des Fernsehfilm-finanzierten Systems gedreht haben – also abseits der klassischen, kanadisch geprägten Dramen. Ich wollte etwas machen, das eher wie ein Studioprojekt wirkt: kommerziell, global ansprechend. Diese Energie hat andere angezogen.
Ich habe versucht, sie zu unterstützen – STILL/BORN habe ich mit Brandon geschrieben. Es ist ein sehr guter Film mit großartigen Momenten. Es war nichts, das ich selbst hätte inszenieren wollen, Brandon hatte Kinder und lebte diese Welt. Wir haben ihn im Haus von Brandons Eltern gedreht. Wir haben monatelang Alberta gescoutet, dann fiel unsere Location weg, und wir haben seine Eltern angefleht, dass wir dort drehen dürfen. Zum Glück akzeptierten sie das – wir haben sie in einem Hotel untergebracht.
Z war ähnlich. Brandon kam mit einer Idee, die darauf basierte, dass seine Söhne ihn erschreckten, indem sie ihre imaginären Freunde anstarrten.
Adrian Gmelch: Ich mag auch Kurts INFLUENCER sehr. Es ist vielleicht so etwas wie ein Geschwisterfilm zu WHAT KEEPS YOU ALIVE – auf eine gewisse Weise.
Colin Minihan: Ja, mit dem Mädchen – dem Badass-Mädchen – mit der Feuerszene. Ein cooler Film. Kurt ist großartig darin, diese Reiseprojekte zu machen. Er lebt dann mal ein Jahr in Thailand und entwickelt dort einen Film. Ich könnte das jetzt nicht – ich bin zu sehr eingespannt. (lacht) Nur Spaß, es ist ein Abenteuer. Ein furchtloses Unterfangen.
Adrian Gmelch: Ein anderes Thema: Elevated Horror. Ich bevorzuge „Arthouse-Horror“. Was denkst du über das Label? Ist das nur Marketing? Gibt es wirklich einen Unterschied zwischen einem Film wie HEREDITARY und einer massenmarkttauglichen Blumhouse-Produktion?
Colin Minihan: Ich würde sagen, der Unterschied liegt in ein paar Dingen. In HEREDITARY hast du Toni Collette, die das Material aufwertet, und du hast einen großartigen jungen Hauptdarsteller – Alex Wolff. Und es gibt mehr Zurückhaltung, weniger Abhängigkeit von billigen Jumpscares.
Ich glaube, HEREDITARY folgt als Drehbuch ähnlichen Strukturen wie ein Blumhouse-Film – etwa Boxen voller Hinweise um Seite 50 herum – aber die Ausführung ist zurückhaltender, wirkt „gehobener“. „Arthouse“ ist für mich eher wie die Filme von Osgood Perkins. Sie sind atmosphärisch, liminal. Sie stellen nicht die Geschichte in den Vordergrund, sondern Bilder und Stimmung. Ich finde sie nicht einmal wirklich gruselig.
Vielleicht ist das eine Reaktion darauf, wie kommerziell und vorhersehbar die üblichen Horrorbeats geworden sind – Traumametaphern, Hinweisboxen usw. Wenn jemand etwas außerhalb davon macht, mit einer einzigartigen Perspektive – wie viele Kinoreleases von IFC Films – dann stechen sie heraus, weil sie anders wirken.
Aber das sind nicht die Geschichten, die ich erzählen möchte. Ich mag kohärente Drei-Akt-Strukturen, hochwertig umgesetzt, aber trotzdem mit Risiko, mit großen Ausschlägen.
Eines, das ich an COYOTES liebe: Viele Leute haben Probleme mit Tonalitätssprüngen. Sie wollen tonale Konsistenz. Aber genau das ist der Punkt: nicht konsistent zu sein. Mal völlig verrückt, dann wieder gruselig, dann romantisch – ein Auf und Ab. Das begeistert mich mehr als etwas tonal Flaches.
IT STAINS THE SANDS RED spielt auch auf vielen Ebenen – exzentrische Komödie, menschliches Drama, Dunkelheit, Buddy-Movie-Energie. Es wagt viel.
Manche Arthouse-Filme tun das nicht, sie „machen einfach so“ weiter. Das ist oft täuschendes Filmemachen, denn darunter steckt nicht wirklich eine Geschichte.
Adrian Gmelch: Das ist der Grund, warum ich deine Filme mag – und die von Kurtis und Brandon. Ihr versucht nicht, zu sehr Arthouse zu sein. Sogar STILL/BORN hätte in diese Richtung gehen können, aber er tut es nicht. Der Film ist nicht zu metaphorisch überladen.
Colin Minihan: Es ist irgendwo in der Mitte – nicht hyperkommerziell, aber wir sind auch nicht auf der anderen Seite.
Adrian Gmelch: Du hast Osgood Perkins als Arthouse-Horror erwähnt. Kannst du etwas genauer sagen, wie du seine Filme empfindest?
Colin Minihan: Sprache, Stil und die Geschichten, die er erzählen will, all das ist großartig. Gut für ihn, er macht sein eigenes Ding. Er dreht alle seine Filme in Vancouver mit einem Produzenten, komplett außerhalb des Studiosystems, aber er hat die Unterstützung von Neon. LONGLEGS ist auf fantastische Weise durchgestartet, also kann er jetzt wahrscheinlich Filme sehr schnell realisieren. Ich bin neidisch darauf. Ich wünschte, ich könnte Filme so machen.
Es sind nur nicht die Geschichten, die ich erzählen möchte. Ich mag Slow Burns, Atmosphäre, Ambiguität, aber ich will gleichzeitig das breitere Publikum zufriedenstellen und einen klaren emotionalen Bogen schaffen.
Aber jedem das Seine. Viele Leute lieben seine Filme.
Adrian Gmelch: Ja, seine Karriere ist interessant – erst Schauspieler, dann Autor, dann Filmemacher.
Colin Minihan: Das ist ein interessanter Weg, den viele Schauspieler gehen – Zach Cregger hat als Schauspieler angefangen. Kristen Stewart hat gerade einen Film gedreht.
Schauspieler, die die Kontrolle über ihren kreativen Output übernehmen – ich sehe das bei meiner Frau; sie möchte auch Regie führen. Wenn du Schauspieler bist, bist du oft nur ein kleines Rädchen in der kreativen Maschine, manchmal in Richtungen gelenkt, mit denen du nicht einverstanden bist. Es kann schwer sein, sich kreativ erfüllt zu fühlen.
Heute ermöglicht die Technologie jedem, der den Willen hat, etwas zu machen. Schauspieler haben dabei einen Vorteil – sie sind gut im Raum, furchtlos vor der Kamera. Eli Roth ist wahrscheinlich großartig im Raum, laut, unerschrocken. Das lässt sich gut in das Studiosystem übertragen. Ich würde gern einen Osgood-Film sehen, in dem er selbst mitspielt.
Adrian Gmelch: Vielen Dank. Es wurde etwas länger als geplant, aber danke dir. Ich weiß das wirklich zu schätzen und freue mich auf deine nächsten Filme. Ich behalte deine Filmografie im Blick.
Colin Minihan: Sehr gern, danke dir.